Começamos com a obra de arte mais antiga e também uma das mais icônicas desta lista, O Jardim das Delícias Terrestres, do artista renascentista holandês Hieronymus Bosch, exposta no Museo del Prado, em Madri. A obra-prima é um tríptico, e os três painéis juntos contam uma história da humanidade sucumbindo gradualmente às tentações terrenas e abandonando Deus e, assim, terminando no inferno na Terra no painel à direita.
Lição de moral à parte, a obra de arte é muito valorizada por ser uma das primeiras pinturas surrealistas, já que o tríptico é repleto de plantas e animais imaginários, humanos manipulando máquinas inexistentes e todo tipo de atividades e coisas estranhas. Certamente a parte mais assustadora da obra-prima é o painel direito representando o Inferno na Terra. Contra um fundo preto e envolto em fumaça e fogo estão as coisas mais aterrorizantes que o artista poderia imaginar: câmaras de tortura, demônios e animais mutantes que se alimentam de humanos, todos dando a este painel uma presença verdadeiramente apocalíptica. É difícil negar que Bosch tenha sido um dos primeiros mestres do surreal e do macabro conseguindo, infundir nessa arte um significado moral verdadeiro e amedrontador.
A representação de Caravaggio do antigo monstro mítico grego Medusa é uma pintura audaciosamente assustadora e expressiva que certamente deixará uma marca na memória de todos. Exposta na Galeria Uffizi, em Florença, a pintura é uma representação extremamente realista da cabeça recém-cortada da Medusa com uma expressão de terror genuíno em seu rosto. Segundo o mito grego, Medusa, uma mulher com cobras venenosas no cabelo, foi morta por Perseu, filho de Zeus. O triunfo de Perseu sobre o monstro foi recriado por incontáveis pintores e escultores famosos ao longo da história.
Ainda assim, o estilo de arte habilmente realista e expressivo de Caravaggio tornou sua recriação do mito uma das mais marcantes e memoráveis da história da arte, ao mesmo tempo que instalava medo e mexia com as emoções de todos os espectadores. Diz-se que o pintor usou seu próprio reflexo no espelho para modelar esta famosa obra de arte.
Na verdade, diz a lenda que Medusa foi uma bela moça que, enquanto estava adorando a deusa Minerva (ou Atenas) no templo, foi estuprada pelo deus Netuno (ou Poseidon) Ela é punida por profanar o templo (!!!???) e transformada em um monstro de cuja cabeça pendem cobras vidas e cujo olhar transforma os homens em pedra.
Os humanos têm tentado explicar o significado e as causas dos sonhos, especialmente os assustadores, por milênios. Uma dessas explicações do folclore europeu foram as criaturas demoníacas chamadas incubus (macho) e succubus (fêmea), que segundo a mitologia e as lendas, repousam no peito da pessoa que sonha, causando pesadelos, prejudicando sua saúde física e mental, ou mesmo causando a morte .
Esta famosa obra de arte do pintor suíço intitulada "O Pesadelo" é uma ilustração da lenda sobre o incubus, que podemos ver empoleirado no peito de uma mulher enquanto ela dorme. Para explicar a figura do cavalo à esquerda: provavelmente se refere aos contos folclóricos alemães, onde mulheres que dormiam sozinhas eram visitadas ou mesmo possuídas por demônios, e os homens eram visitados por fantasmas de cavalos. Na pintura, Fuseli une todas as lendas sobre de espíritos assustadores e demônios em uma pintura, criando uma manifestação abrangente de um pesadelo. A obra está exposta no Detroit Institute of Arts.
Francisco Goya é o pintor espanhol mais importante do Iluminismo e, ao longo da sua carreira artística, o seu estilo mudou constantemente. Durante sua vida, Goya ficou mais conhecido como o pintor da corte da família real e, de fato, fez incontáveis retratos da realeza espanhola e de outros nobres, o que lhe valeu uma grande reputação social e prosperidade econômica, não era a saída criativa de que o artista precisava.
Hoje, Goya é provavelmente mais conhecido pelas pinturas mais recentes que criou, uma série de 14 obras de arte assustadoras conhecidas como as "Pinturas Negras". Durante esse tempo, Goya não recebeu mais pedidos, então se trancou em uma casa de fazenda conhecida como "La Quinta del Sordo" perto de Madri e deu asas à sua criatividade. Quase completamente surdo e mentalmente exausto, Goya criou as Pinturas Negras entre 1819 e 1823.
A mais famosa e também a mais assustadora dessas obras é "Saturno devorando seu filho", inspirada na mitologia romana. Goya não pretendia que nenhuma das pinturas negras fosse exibida publicamente. Em vez disso, serviriam de decoração para a sua casa, com esta pintura específica destinada à sala de jantar.
A pintura mostra o chefe Titã Saturno comendo sua própria descendência em uma tentativa de evitar a profecia de que um de seus filhos o derrubaria e mataria. Alerta de spoiler: Gaia, sua esposa, esconde secretamente um de seus filhos, Zeus, que mais tarde derrubou Saturno, salvou alguns de seus irmãos e cumpriu a profecia.
Embora esta série de 4 pinturas do famoso expressionista norueguês não seja do agrado de todos, uma coisa não pode ser tirada dela: ela definitivamente captura um estado de ânimo. Além disso, é uma das pinturas mais importantes e reconhecidas do mundo, e diríamos também que é uma das mais desconcertantes. A pintura retrata uma figura vaga, quase mumificada, capturada em um momento de terror com um pôr do sol vermelho agourento ao fundo. Está exposta na Galeria Nacional e Museu de Munch em Oslo.
O que a maioria das pessoas não percebe é que esse pôr do sol sinistro foi a inspiração para a pintura, e é um pôr do sol que o próprio artista presenciou na vida real, conforme registrou em seu diário: “Uma noite, eu estava caminhando por uma trilha, a cidade estava de um lado e o fiorde embaixo. Eu me sentia cansado e doente. Parei e olhei para o fiorde: o sol estava se pondo e as nuvens estavam ficando vermelhas como o sangue. Eu senti um grito passando pela natureza; Eu pensei ter ouvido o grito. Eu pintei este quadro, pintei as nuvens como sangue real. Um grito de cor."
Os críticos de arte agora acreditam que o artista não exagerou na descrição desse pôr do sol, já que o que ele e muitos outros testemunharam na época foram as consequências da devastadora erupção do vulcão Krakatoa em 1883, que coloriu os céus durante meses.
Paul Cézanne é mais conhecido por suas paisagens impressionistas vivas e dinâmicas e suas representações de pessoas comuns participando de suas atividades diárias. A maioria das naturezas mortas do pintor também tende a mostrar assuntos menos horríveis, como maçãs, peras e laranjas. No entanto, sabe-se que Cézanne também demonstrou maior interesse pela morte à medida que se aproximava da velhice, e pode-se dizer que a Pirâmide de Crânios é o auge dessas reflexões existenciais.
Ao mostrar nada mais do que uma pilha de quatro crânios humanos, a pintura força o espectador a ficar cara a cara com sua própria mortalidade. Na verdade, a inclusão de caveiras e ossos nas belas-artes não é nenhuma novidade, tem até uma definição própria: memento mori. Esta frase em latim se traduz como "lembre-se de que você tem que morrer" e, por séculos, os artistas incluíram crânios humanos como símbolos da mortalidade e da inevitabilidade da morte. No entanto, ao contrário de seus antecessores, que normalmente apresentavam um crânio como parte do fundo de uma obra de arte, Cézanne decidiu trazer os crânios (e, portanto, também a questão da mortalidade) para o primeiro plano e torná-los o centro das atenções, completamente claros e dolorosamente aparentes. É por isso que essa obra de arte, ertencente a uma coleção particular,é a mais assustadora, na nossa opinião.
Se Hieronymus Bosch usou o surrealismo como traço para expressar uma ideia moral específica, Salvador Dali transformou essa representação onírica em um estilo artístico completo, como podemos ver na grande maioria de suas obras de arte mais famosas. No entanto, relógios que derretem, girafas queimando e telefones tipo lagosta, que existem principalmente para atordoar e entreter nossas mentes não são as únicas características artísticas do estilo de Dalí. A obra está exposta no Museu Boijmans Van Beunigen, em Roterdam.
Uma de suas pinturas mais significativas e certamente a mais comovente é O Rosto da Guerra, que Dalí criou em 1940 depois que ele e sua esposa Gala fugiram para a Califórnia no início da Segunda Guerra Mundial. O trauma da guerra e o sofrimento massivo que o artista presenciou serviram de inspiração para este trabalho. Na verdade, Dalí disse uma vez que toda a sua visão artística era uma premonição de uma guerra iminente, mas é essa peça específica que expressa o terror da guerra de forma mais direta.
