Das impressionantes catedrais da Europa às belas estátuas como a Vênus de Milo, agora abrigada no Louvre, a arte tem sido uma grande parte do que eu gosto de pensar como a cultura humana comum, os elementos do mundo que são universalmente admirados. Foi inestimável para o crescimento e progresso da humanidade. Houve um período em particular, chamado Renascimento, que trouxe cores ao mundo de uma maneira anteriormente inimaginável. Entretanto, em todos os tempos, algumas das maiores obras de arte foram o resultado de loucura, luta, trabalho duro e puro talento. De acordo com esse espírito, aqui estão as histórias por trás de algumas das obras de arte - não apenas renascentistas - mais famosas do mundo.
1. O Jardim das Delícias Terrenas
Este belo tríptico pintado a óleo foi criado em um painel de carvalho por um artista da Holanda, Hieronymus Bosch, no final do século XV e início do século XVI. O artista tinha entre 40 e 50 anos durante o período em que pintou esta peça. Como você pode ver, a obra tem três painéis, representando o que podemos assumir como Céu, Terra e Inferno, respectivamente.
O nome real da peça não é conhecido publicamente, motivo pelo qual o título do painel central "O Jardim das Delícias Terrenas" se tornou o nome comum. Também foi conhecida no passado como a "pintura dos morangos". Isso ocorre devido à abundância de morangos em toda a tela. Embora as pessoas tenham feito especulações sobre o motivo pelo qual o artista tenha tanta fixação por esse fruto, dada a pouca informação revelada pelo pintor, nada foi descoberto.
Ignorando (por enquanto) as imagens no estilo do País das Maravilhas e o que muitas das figuras parecem estar fazendo, a imagem em si é extraordinariamente grande, medindo aproximadamente 2 metros de altura e 4 metros de ponta a ponta. Bosch tinha uma propensão por nunca assinar a data de seu trabalho, de modo que ninguém sabe ao certo quando ele começou e quando terminou. Supõe-se que tenha sido concluído em algum ponto entre 1490 e 1510.
Na época em que a Bosch estava pintando o Jardim das Delícias Terrenas, as tintas a óleo eram relativamente novas (menos de 100 anos) e ainda estavam sendo aprimoradas com relação aos agentes de ligação e às pinceladas. Isso torna a complexidade dessa pintura ainda mais impressionante.
Esse tríptico ganhou fama rapidamente, a partir de 1517, quando foi alojado em um palácio na cidade de Bruxelas. Isso foi um ano depois da morte do artista. Foi a Guerra Civil Espanhola que finalmente deu a esta pintura um lar permanente, quando foi decorar o palácio do rei Filipe II (que a comprou em leilão em 1591). Em 1939, foi transferido para o Museu do Prado, que até hoje continua sendo o lar para esta obra-prima.
2. Perseu com a cabeça da Medusa
A mitologia grega tem sido uma grande influência em diferentes formas de arte há muitos anos. A Piazza della Signoria, em Florença, Itália, abriga muitas estátuas que retratam contos surpreendentes da mitologia grega. Uma dessas esculturas, e talvez a mais popular, é a estátua de bronze, intitulada "Perseu com a Cabeça da Medusa", do artista Benvenuto Cellini.
Então, qual é a história que inspirou esta obra-prima? Bem, começar no início do mito em si seria muito desgastante (para escrever ou ler), então aqui está a versão curta, que parece um drama feito para a TV. Perseu era filho de uma certa Danae e do deus Zeus, que engravidou Danae entrando nela sob a forma de chuva dourada (sem comentários).
Danae havia sido trancada por seu pai, o rei Acrísio, que fora informado pelo Oráculo de que seu próprio neto o mataria um dia. Depois de ouvir notícias do nascimento de seu neto, que chamou-se Perseu, ele ficou furioso e colocou sua filha e o filho dela em um caixão para ser jogado no mar. Mas não é tão fácil matar um filho de Zeus.
Danae e o bebê Perseu chegaram às margens da ilha de Serifos, onde foram aceitos pelo irmão do rei das ilhas e sua esposa. Com o passar dos anos, Perseu tornou o semi-deus que ele deveria ser, e o irmão do rei acabou assumindo o trono. Querendo Danae para si mesmo e sabendo que Perseu era seu único obstáculo, ele enviou o jovem semideus em uma missão para trazer a cabeça da Medusa.
Medusa e suas duas irmãs eram conhecidas como Górgonas, monstros em forma de belas donzelas. Depois de recusar os avanços do deus Poseidon (irmão de Zeus), as Górgonas foram transformadas em monstros com um emaranhado de cobras em vez de cabelos na cabeça. E embora o rosto de Medusa permanecesse bonito, qualquer um que ousasse vê-lo seria imediatamente transformado em pedra. Então, Perseu sabia que precisava de ajuda.
Ele se aproximou dos Hermes (o Mensageiro dos Deuses e pau pra toda obra do Olimpo) e Athena (filha de Zeus e Deusa da Sabedoria). Hermes equipou-o com sandálias aladas para voar velozmente, um capacete para dar-lhe invisibilidade (porque uma capa seria muito comum), enquanto Athena presenteou-o com uma espada e um escudo. Preparado para a batalha, ele se aproximou do covil das Górgonas.
Nesse caso, o escudo provou ser mais poderoso que a espada, porque permitiu que Perseu visse o reflexo da Medusa e nunca tivesse que olhar para o rosto dela. Silenciosament, ele aproximou-se se dela e cortou-lhe a cabeça enquanto ela dormia. Em algumas histórias, diz-se que o sangue derramado da Medusa levou ao nascimento de Pegasus (o cavalo alado) e de Crisaor (o javali alado), filhos de Poseidon (que, segundo algumas histórias, estupraram a Medusa em um templo de Athena).
Armado com a cabeça de Medusa, Perseu fugiu das Górgonas restantes para voltar a Athena e Hermes. No caminho, Perseu enfrentou vários outros perigos, porque o trabalho de um herói nunca é realmente realizado. A cabeça da Medusa provou ser uma arma formidável e o salvou de muitos perigos em suas viagens.
Na escultura, ele é retratado segurando a cabeça da Medusa na sua frente. Alguns dizem que este é um símbolo de vitória para Perseu. Mas, na humilde opinião deste escritor, olhando para a maneira como ele mantém a cabeça baixa, também pode-se supor que foi assim que ele teria usado a cabeça da Medusa para imobilizar seus inimigos, conhecendo os horrores que isso poderia causar. Mas eu não sou de forma alguma um especialista (ou mesmo um amador) na compreensão da arte, então dê uma olhada na escultura e decida por si mesmo!
3. A declaração de independência
Embora o documento real também seja definitivamente uma obra de arte, estou falando da pintura encomendada em 1817 ao artista John Trumbull. Enquanto muitos assumem que esta figura pretende representar a assinatura da Declaração de Independência, na verdade captura um momento diferente, mas igualmente importante na história. Esta pintura descreve o momento em que o primeiro rascunho deste documento histórico foi apresentado ao Segundo Congresso Continental, em 28 de junho de 1776. Foi assinado uma semana depois.
No centro da pintura está um grupo de homens. Esses homens são Robert Livingston, Roger Sherman, John Adams e Benjamin Franklin, liderados por Thomas Jefferson. Juntos, esses homens formaram o comitê que redigiu este documento que mudaria o futuro de uma nação inteira.
Apenas para uma rápida revisão da História (porque eu também precisava de uma), a Declaração da Independência foi elaborada para estabelecer os princípios pelos quais a Guerra Revolucionária estava sendo travada e os próprios ideais de liberdade que ainda hoje se mantêm firmes. E o homem sentado diante deles, cuja consideração deu a este documento seu valor verdadeiro e devido, não é outro senão o Presidente do Congresso Continental, John Hancock.
John Trumbull foi originalmente contratado pelo Congresso dos EUA para fazer 4 telas demonstrando cenas da Era Revolucionária. A Declaração de Independência foi a primeira concluída. Enquanto sua intenção original com esta peça era fazer uma representação pequena, mas precisa, do que ocorreu nesse evento, ele, eventualmente, tomou um caminho diferente, optando por imortalizar os pais fundadores da Nação.
Dos 56 signatários da Declaração de Independência, este retrato ilustra 42 desses grandes homens, em toda a sua glória e dignidade. Um total de 47 fundadores estão representados na foto, 5 dos quais não foram signatários da Declaração, mas sim patriotas de valor. Os 14 signatários restantes, Trumbull se recusou a pintar, pois não conseguiu encontrar uma imagem deles fiel o suficiente para criar sua semelhança e lhes dar a devida justiça.
Uma das coisas mais interessantes (talvez divertidas) sobre essa pintura é que a decoração retratada no Independence Hall, incluída por Trumbull no retrato, como as grandes cortinas venezianas e as bandeiras britânicas que decoram as paredes, não estavam na sala. Estes foram enfeites do pintor, que acreditava que era assim que a sala deveria ser.
Além disso, alguns outros recursos arquitetônicos, como o posicionamento das portas e janelas, também estão incorretos, pois foram baseados em uma descrição imprecisa dada por Thomas Jefferson (cuja memória não se manteve tão forte nesse aspecto).
Esta obra-prima histórica foi colocada no Capitólio desde sua comissão no início do século XIX. Também está representado na nota de US$2, na qual a imagem foi ligeiramente alterada para que os pés do Comitê de Redação se afastem um do outro. Isso decorreu de especulações de que Thomas Jefferson parecia estar pisando nos pés de John Adams, representando a tensão política entre eles.
4. David de Michelangelo
Essa conhecidíssima obra de arte sempre foi pensada como a imagem de um homem que parecia forte e imponente. No entanto, bem poucas pessoas realmente olharam para o rosto deste magnífico homem esculpido porque seu lugar na Galleria dell'Accademia, em Florença, está defronte a uma coluna desde 1873 (mais de 350 anos após sua criação).
Depois de olhar mais de perto a escultura inteira, dois médicos de Florença notaram numerosos micro-detalhes nesta peça incrível. A perna direita de Davi está tensa nervosamente, e suas sobrancelhas estão franzidas, no que pode ser interpretado como medo e agressividade, com as narinas totalmente dilatadas.
Enquanto a maioria das representações de David da Era da Renascença, por artistas florentinos, mostra um David vitorioso, após o combate, foi confirmado que Michelangelo Buonarrotti optou por apresentar David pouco antes da luta, preparando-se para as dificuldades do enfrentamento. Seus olhos e corpo permanecem cautelosos e tensos, enquanto ele se preparava para atacar.
A beleza dessa descrição é que ela mostra Davi não apenas pelo guerreiro que ele era, mas pelo pensador, característica pela qual também era conhecido. Seu estilingue está perfeitamente arqueado sobre o ombro e seguro na mão, escondendo-o da visão do inimigo (e dos espectadores), enquanto ainda está em ótima posição para uso. Talvez signifique que a vitória de Davi sobre Golias pode ser atribuída à sua concentração, confiança e inteligência, em oposição à força bruta.
Nesta representação, David é mostrado usando o contrapposto, em pé de modo que uma perna (neste caso a esquerda) suporte a maior parte do peso. Isso, por sua vez, faz com que os ombros e os braços se posicionem para longe das pernas e dos quadris. Isso é um "contraponto" (tradução direta do italiano), para colocar as extremidades superiores fora do eixo dos quadris e pernas, fazendo a figura parecer maior, mais forte e mais dinâmica.
O grande bloco de mármore que Michelangelo transformou na escultura "David" havia sido abandonado pelos dois artistas anteriores contratados para usá-lo. Por 25 anos, essa pedaço de mármore permaneceu intocado no pátio da Ópera do Duomo, até 1501, quando o renomado artista começou a trabalhar nessa obra-prima que viria a encontrar um lugar eterno na história. Ele a completou em 1504.
A dedicação de Michelangelo à perfeição da arte pode ser vista nesta impressionante escultura, que se ergue sobre todos os espectadores e transeuntes a 5,16 metros de altura. A atenção aos detalhes, como a tensão da perna e os sulcos de todos os nós dos dedos, são todos indícios do incrível talento desse artista, que logo começaria a trabalhar no teto da Capela Sistina, uma de suas maiores obras de arte.
5. A Mona Lisa
Esta bela Madonna tem sua própria sala no Louvre, projetada especificamente para sua proteção. Criada pelo grande artista Leonardo Da Vinci, a Mona Lisa conquistou o coração dos amantes da arte e do público em geral em todo o mundo. Então, o que tornou esse retrato aparentemente simples tão cativante?
Vamos começar com a própria mulher, vista sentada no meio de uma paisagem, com um centro de calma e sossego. A Mona Lisa, também conhecida como La Gioconda, retrata a esposa de Francesco Del Gioconda. A palavra "Gioconda" em italiano se traduz literalmente "a alegre". Aí reside a beleza do sorriso de Mona Lisa, o sinal mais simples do ideal de alegria, serenidade e contentamento.
Na maioria das obras de arte, especialmente as do século 15 e 16, o simbolismo e a alma dos personagens retratados geralmente eram evidenciados apenas através de gestos, objetos, e inscrições. O trabalho mais famoso de Da Vinci se esforçou para trazer a alma da bela dama através de seus olhos e seu sorriso, fazendo dela um enigma vivo, com uma alma que você pode ver, mas nunca se aproximar.
Agora vamos olhar para o fundo. No nível do peito da Mona Lisa, fica uma estrada sinuosa, que leva a uma ponte distante com vegetação por toda parte. Essas paisagens foram pintadas com cores vivas e quentes para retratar o mundo do homem, lugares de familiaridade.
No entanto, à medida que você se afasta, a paisagem muda para terrenos montanhosos mais rochosos e fluxos intermináveis de água. O artista começou essa paisagem no nível dos olhos de quem contempla, e usou pinceladas mais pesadas e mais grossas para mostrar o deserto além dos mundos que conhecemos e habitamos. Para mais surpresa, se você der uma olhada mais de perto no olho direito desse enigma, verá as iniciais do artista.
Enquanto a Mona Lisa é, na sua forma mais simples, o retrato de uma mulher sentada à janela aberta de uma casa, muitos têm argumentado que o ideal pretendido que a imagem traz à tona: alegria e felicidade de uma alma inacessível e intocável pelo desconhecido, não é de modo algum um retrato tradicional. Também foi admirado por representar a conectividade entre natureza e humanidade.
Antes de encontrar um lar permanente no Louvre, ela originalmente tinha um lugar com o rei François I há mais de um século. Foi então que o rei Luís XIV a removeu da posse de seu dono anterior e a colocou no Grande Palácio de Versalhes. Foi pouco antes de ela se mudar para o Louvre que a Mona Lisa também estava sentada nos aposentos de Napoleão Bonaparte.
Em 1911, quando o retrato foi roubado do Louvre (pelo qual Pablo Picasso foi suspeito, embora nenhuma evidência tenha sido encontrada), o mundo entrou em pânico para encontrá-lo e celebrou de todo o coração quando foi devolvido, dois anos depois. Desde sua chegada ao Louvre, em 1815, a Mona Lisa recebeu várias flores e cartas de amor. Sua atitude misteriosa e distante ainda continua a capturar a atenção (e corações) de pessoas em todo o mundo.
6. Noite estrelada sobre o Rhône
A maioria das pessoas já ouviu falar dessa pintura impressionante de Vincent Van Gogh, que lhe rendeu muita fama e destaque postumamente. Mas quanto você realmente sabe sobre essa incrível peça de arte (e história)?
Bem, para iniciantes, essa pintura foi finalmente estudada por astrônomos, que determinaram que essa representação do horizonte pouco antes do nascer do sol era na verdade uma ilustração muito precisa da aparência do céu naquela manhã. Embora muitos tenham assumido que a miríade de estrelas e nuvens rodopiantes era um exagero do pintor, era para isso que Van Gogh estava realmente olhando.
Agora vamos a fatos maiores. Onde estava Van Gogh quando olhava para este impressionante campo azul? Ele era, na época, um residente do asilo de Saint-Remy-de-Provence, e a imagem pretendia capturar a vista de seu quarto no asilo. Ele fora internado depois de cortar a orelha esquerda.
Até recentemente, acreditava-se que, em 23 de dezembro de 1888, Van Gogh discutia com seu amigo, colega de quarto e também artista Gauguin. Depois disso, ele se retirou para o quarto, onde começou a remover a orelha esquerda com uma navalha. Em seguida, embrulhou-a prontamente em papel e presenteou-o a uma pobre mulher horrorizada no bordel que ele e Gauguin costumavam visitar com frequência.
No entanto, de acordo com o escritor Martin Bailey, a verdadeira razão pela qual Van Gogh se retirou para o seu quarto e realizou o ato de auto-mutilação que sempre seria um símbolo das profundezas da loucura criativa, foi porque ele recebeu notícias de que seu irmão (e benfeitor) ficara noivo e logo se casaria, o que abalou o artista. Em seu livro Studio of the South, Bailey mostra evidências de Van Gogh recebendo essa notícia antes de cortar sua orelha, e não depois, como se acreditava originalmente.
Independentemente do motivo, um policial o encontrou inconsciente na manhã seguinte (presumivelmente por perda de sangue) e foi levado ao hospital onde acordou sem lembrar o que havia acontecido. Depois de diagnosticá-lo com "mania aguda com delírio generalizado", ele passou vários meses entrando e saindo deste hospital. Ele finalmente decidiu se internar no asilo de Saint-Remy-de-Provence, onde procurou ajuda para sua condição mental e fez muitas daquelas que se tornariam suas obras de arte mais famosas. Uma delas (talvez a mais notável?) Não é outra senão a Noite Estrelada, que vive no MoMa - Museum of Modern Art, em Nova York.
7. A moça com um brinco de pérola
Esta obra de arte foi uma das 36 obras de arte não-encomendadas criadas pelo pintor holandês do século XVII, Johannes Vermeer. Enquanto a verdadeira história por trás de suas origens se perdeu no tempo, muitas especulações sobre o que ela (e a moça) representam foram apresentadas. No entanto, uma das mais conhecidas está em um livro escrito em 1999 por Tracy Chevalier, fã de Vermeer e suas pinturas, que tem o mesmo nome da tela.
A história segue a vida de Griet, uma jovem doce, tímida e humilde (16 anos) de uma família de meios moderados, presa em um momento de dificuldades financeiras. Para ajudar sua família, ela aceita um emprego como empregada em tempo integral com o pintor e sua família. Esta história acontece ao longo de dois anos.
Embora seu comportamento quieto e calmo a ajudasse a cumprir seus deveres domésticos, também chamou a atenção de Vermeer e, conseqüentemente, de sua esposa Catharina e sua sogra, Maria Thins. Todos os ingredientes necessários para um drama da vida real.
Vermeer notou rapidamente o olhar atento da jovem para as artes e a colocou para trabalhar em seu estúdio, ensinando-a a misturar tintas e outros pequenos trabalhos. As pinturas do Mestre holandês eram geralmente focadas em mulheres em diferentes ambientes da casa, o que fez com que ele empregasse Griet como "manequim" em suas obras. Mas sua esposa não estava nada entusiasmada com esses projetos.
Sua mãe, por outro lado, a principal benfeitora da Vermeer e dona da casa, viu o potencial que Griet tinha para ajudar a Vermeer a melhorar sua carreira artística. Ela silenciosamente trabalha para mudar mais os deveres da garota em relação à carreira de pintor, novamente para o desgosto de sua filha. Cornelia, a filha de seis anos de Vermeer e Catharina, travessa por natureza e volátil como a mãe, percebe tudo, tornando a vida o mais difícil possível para a jovem Griet.
Enquanto isso, Griet ganha a atenção de muitos outros, com seu comportamento quieto e rosto adorável. Pieter, o filho do açougueiro, corteja-a com veemência e ajuda sua família em dificuldades a lidar com seus encargos financeiros. No entanto, o patrono mais rico de Vermeer e o principal cliente de sua arte, Van Ruijven, também se interessa por ela e é um homem que não aceita uma resposta negativa. A história tem um tom mais sombrio, pois Van Ruijven aproveita todas as oportunidades possíveis para assediar a moça e tenta pressionar o artista a pintar um retrato dele e da jovem juntos.
Vermeer recorda a última vez em que ele permitiu que seu cliente posasse para uma pintura com sua empregada anterior, e como isso terminou naquela jovem mulher ficando "arruinada". Na esperança de evitar uma repetição da catástrofe, ele concorda em pintar um único retrato de Griet para Van Ruijven comprar. Para esta pintura, ele força Griet a perfurar as suas orelhas e, silenciosamente, pega os brincos de pérola de sua esposa, sem o conhecimento desta, é claro, para a jovem empregada usar enquanto está posando para o retrato que hoje, está na Mauritshuis, em Haia.
Entre em cena a sempre observadora Cornelia, que aproveita a oportunidade para fazer com que sua mãe descubra as indiscrições que ocorrem e depois assiste o escândalo. Catharina entra no estúdio do marido e o pega no ato de pintar Griet, que ela encontra usando umcachecol e seus brincos de pérola. Vermeer permanece calado com as palavras de sua esposa chorando e, finalmente, Griet é forçada a ir embora.
A história termina, no entanto, dez anos depois, quando o artista morre e Griet se reúne novamente com os brincos de pérola, embora por pouco tempo.
8. Guernica
Esta obra do famoso Pablo Ruiz Picasso é uma das obras de arte mais renomadas e profundas do século XX. Esta pintura foi inspirada por um evento trágico que ocorreu em meio à turbulência política que estava ocorrendo na época. Apesar de não ter sido bem recebida no seu tempo, um dia seria reconhecida como um forte símbolo contra a agressão nacionalista durante a Guerra Civil Espanhola.
A Guerra Civil Espanhola começou em julho de 1936, quando um general espanhol chamado Francisco Franco organizou um golpe que dividiu o país no meio, como nacionalistas e os membros sobreviventes da república democrática. Essa guerra finalmente chegou à esfera política global, com todos escolhendo lados. Enquanto a União Soviética avançou em apoio aos republicanos, a Alemanha foi igualmente rápida em armar os nacionalistas.
Nos dez anos anteriores à escalada da Guerra Civil Espanhola, o pintor espanhol experimentou o conceito artístico do surrealismo e, embora tenha começado sua carreira de pintor com imagens de objetos normais como instrumentos musicais e frutas, ele começou a usar sua arte para romper a forma usual desses temas tradicionais e apresentá-los de diferentes perspectivas. Era seu estilo único de arte que o faria viver para sempre na fama.
No momento em que a guerra começou a se intensificar e internacionalizar, o artista malaguenho havia sido contratado pelo governo espanhol para produzir um mural para a Exposição de Paris de 1937. Lutando contra a depressão tão frequentemente enfrentada pelos artistas atormentados, e com o coração mais pesado pela escalada da guerra que agora se arrastava em seu país natal, Picasso ficou parado no tempo, seu processo criativo em absoluta desordem. Então, em abril de 1937, ocorreu um evento que mudaria tudo.
Na tarde de 26 de abril de 1937, a tripulação de um navio de guerra britânico que navegava ao largo da costa do norte da Espanha chamado HMS Hood, observava em silêncio absoluto um enxamea de aviões militares da Alemanha e da Itália reunidos no céu. A missão deles era simples: bombardear a cidade de Guernica.
Como chuva de fogo caindo do céu, os bombardeiros italianos e alemães destruíram a pequena cidade basca. Um correspondente de guerra correu para relatar o que viu. Chegando à cidade quase 10 horas depois, as chamas ainda ardiam em todos os cantos da cidade. Um lugar pequeno, com construções principalmente de madeira, o fogo se espalhou rapidamente e cresceu como uma vingança.
O pensamento inicial era que a cidade foi bombardeada para reduzir o suprimento de armas, já que Guernica possuía uma fábrica de armas. Mas quando as chamas cessaram e a poeira baixou, a fábrica e até o quartel militar estavam entre os poucos edifícios que ainda restavam de pé. Foi um ato de violência simplersmente para criar terror e intimidação, e uma oferta feita pelo general Franco para Adolf Hitler testar suas armas, em troca de armar os nacionalistas espanhóis.
Ao ler as notícias dos horrores que ocorreram em Guernica e abalaram sua essência, Picasso sabia que sua pesquisa de três meses por um mural havia terminado. Sua peça, intitulada “Guernica”, foi apresentada no Pavilhão Espanhol da Exposição de Paris. Embora recebesse poucos elogios na época em que foi apresentada, logo se tornou um símbolo da luta contra o fascismo, a opressão e o terrorismo, mostrando em trágica beleza e detalhes vívidos os horrores por que passou o povo da cidade de Guernica.
Esta pintura foi devolvida à Espanha em 1981, onde foi mantida no Museu do Prado por pouco mais de dez anos, antes de finalmente ser transferida para o Museu Reina Sofia. Um de seus visitantes mais frequentes e grande admirador é outro artista brilhante, Jackson Pollock.
9. O Pensador
La Penseur, traduzido para "O Pensador", é uma das obras mais conhecidas do artista francês Auguste Rodin, e você pode até se lembrar dele por sua aparição no filme "Uma noite no museu", de 2006) Um homem nu em proporções maiores do que as naturais, sentado em uma pedra com a cabeça apoiada no punho, esta estátua e essa pose passaram a ser reconhecidas como símbolos de alguém perdido em pensamentos.
O conceito original para o pensador era, na verdade, o poeta, e ele foi criado pela primeira vez na mente de Rodin como parte de "Os portões do inferno". Esse era um projeto que Rodin havia sido contratado para realizar, seguindo as jornadas pelo inferno, conforme descrito no Inferno de Dante Alighieri, a primeira história da Divina Comédia.
Este poema épico descreve a jornada de Dante pelos sete círculos do inferno, testemunhando uma punição diferente para cada pecado. Seu objetivo é sair das profundezas do inferno e, para isso, ele deve passar por tudo.
O artista foi criado para criar os próprios portões do inferno (como entrada para um museu) e gravar sobre eles as imagens de todos os personagens do poema e seu sofrimento naquele abismo sem fim. O poeta senta-se acima, silencioso e atento, sempre pensando na destruição que está acontecendo abaixo dele. Embora nem o museu nem os Portões do Inferno tenham sido construídos, o gesso original dos portões pode ser encontrado no Musée d'Orsay.
O pensador, no entanto, entrou para a fama. Rodin chegou a usá-lo como material de ensino em muitas de suas oficinas, por isso existem inúmeras versões diferentes do homem esbelto, mas musculoso, em todo o mundo, algumas feitas de bronze e outras de mármore.
10. O Grito
Esta obra de Edvard Munch é indiscutivelmente uma das pinturas mais famosas do mundo, embora o nome do pintor não seja muito ouvido. Uma imagem de uma figura andrógina solitária em pé em uma ponte, a única coisa que realmente pode ser identificada é o medo inconfundível no rosto da figura, com as duas mãos na face estampando o horror. Você quase pode ouvir o grito assustador emitido por essa alma aterrorizada.
Pintada no final do século XIX, essa imagem foi criada por uma era única da arte, que havia transitado de naturezas-mortas para expressões da alma. O talento artístico tornou-se uma saída criativa para os pensamentos, dúvidas, desejos, alegrias e medos mais relevantes do artista. Então, o que levou a mente por trás dessa tela riscada com cores brilhantes, mas tons escuros?
Ao longo dos anos, os diários de Edvard Munch foram descobertos e estudados na tentativa de aprender o significado por trás do incompreensível. Afinal, toda forma de arte é apenas a maneira da mente de comunicar sua loucura ao mundo. Mas só porque você a comunica, não significa que você a entende.
No entanto, muitos relatos recontados em sua história apontam para possibilidades sobre o que provocou essa pintura e moveu a mão do artista. A pintura do artista norueguês foi originalmente intitulada Der Schrei der Natur, traduzindo para "O Grito da Natureza". Esse também era o nome de um poema escrito pelo artista em 1895, adaptado de um diário que ele escrevera três anos antes.
"Eu estava andando pela estrada com dois amigos quando o sol se pôs; de repente, o céu ficou vermelho como sangue. Parei e me inclinei contra a cerca, sentindo-me indizivelmente cansado. Línguas de fogo e sangue se estendiam sobre o fiorde preto azulado. amigos continuaram caminhando, enquanto eu fiquei para trás, tremendo de medo. Então ouvi o enorme grito infinito da natureza."
Este poema dá alguma clareza à pintura. Para começar, o pintor fala de sua exaustão, o que é compreensível, pois ele lutou com uma ansiedade severa a maior parte de sua vida, começando na tenra idade de 5 anos, quando sua mãe morreu de tuberculose. No entanto, ele também diz que "ouviu" o grito da natureza, portanto, pode-se razoavelmente presumir que ele não foi quem estava gritando. Então, de onde veio o som?
Se você ler o poema pela segunda vez, talvez note os vários usos da palavra "sangue" para descrever a cor do céu e a paisagem marinha desbotada, enquanto ele fica na ponte. Segundo seu diário, havia um matadouro não muito longe de onde se acredita que a foto tenha sido ilustrada. Em outra reviravolta cruel do destino, o hospício onde sua própria irmã era paciente também estava próximo. Talvez o artista tenha sido assombrado pelos gritos de animais sendo arrastados para seus destinos. Ou pior, talvez, os gritos angustiados dos internos do hospício, a voz de sua irmã em meio a todo o caos. Quem poderá saber?
Grande dor e sofrimento têm uma maneira de forçar uma pessoa a penetrar profundamente dentro de si para engendrar criações que nos fazem pensar, sentir, rir e até chorar. Edvard Munch foi o criador de mais de 1000 pinturas, a maioria das quais foi doada ao governo norueguês após sua morte. Esta pintura continua a ser lembrada por outra forma de arte, seja a pequena homenagem prestada no filme "Esqueceram de Mim", ou na franquia de filmes "Scream". Embora existam muitas versões de "O Grito" por aí (4 das quais são de Munch), a primeira e original está atualmente em Oslo, como acervo da Nasjonalgalleriet (Galeria Nacional).
