1. "A Anunciação" por Fra Angelico
O italiano Guido di Piero, conhecido como Fra Angelico, pintado com têmpera e ouro no painel desta obra, entre 1420 e 1430. A meticulosidade dos detalhes e a busca de profundidade espacial fazem com que esta Anunciação seja considerada hoje sua primeira obra-prima. As duas cenas que você pode observar uma ao lado da outra, contrapõem o pecado original (expulsão de Adão e Eva do Paraíso) com a chegada do Filho de Deus para redimir a Humanidade. Atualmente está em exibição em Madri, no Museo del Prado.
2. "O nascimento de Jesus", de Giotto Di Bondone
Giotto di Bondone elaborou este trabalho entre 1302 e 1305 nas paredes da capela Scrovegni em Padova, Itália. Em seus trabalhos, o tamanho da arquitetura era irreal, desproporcional aos números. O espaço tem muito pouco detalhe, no entanto, atinge uma atmosfera sagrada na pintura.
3. "A Natividade" de Fra Angelico
Neste trabalho, o pintor italiano, frade dominicano, expressou novamente sua devoção religiosa e misticismo sereno. Dizem que "ele nunca levantou a escova sem rezar ou pintar o crucifixo sem que as lágrimas escorressem por suas bochechas." Fra Angelico era diferente de seus antecessores medievais pela coerência e pela decisão com a qual ele aderiu à cultura. Renascimento: Sua maneira de organizar as figuras, de organizar as cenas, pertencia aos novos tempos.
4. "Tríptico de Santa Columba. Adoração dos Magos" por Rogier Van der Weyden
Rogier Van der Weyden (1400-1464) foi um pintor flamengo que, fiel ao estilo da sua região, prestou especial atenção aos detalhes, às cores vivas e ao realismo das figuras. Suas obras são caracterizadas pelo drama com o qual ele retrata os personagens, especialmente suas expressões. O Tríptico do altar de São Columba, localizado na igreja de mesmo nome em Colônia, Alemanha, inclui em sua parte intermediária esta maravilhosa cena da adoração dos magos.
5. "Natividade Mística" de Sandro Botticelli
Sandro Boticelli experimentou uma grande conversão em um momento de sua vida, o que o fez abandonar ideais mundanos em favor de um zelo místico e um estilo pessoal muito distante de qualquer representação tradicional de Cristo. Ele expressou isso perfeitamente em pinturas como este óleo sobre tela feito em 1501 e que você pode contemplar na Galeria Nacional em Londres.
6. "A Adoração dos Magos" de Leonardo Da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519) é uma das maiores personalidades da história, devido às suas realizações em áreas tão diversas como pintura, escrita, escultura, arquitetura e ciência, sendo ainda um grande inventor. Embora ele fosse um pintor lento e laborioso, parte de seus trabalhos os deixava inacabados, confirmando a atitude experimental que o caracterizava. Provavelmente, uma vez resolvidos os problemas formais e todo o projeto, sentia menos interesse em continuar, uma vez que não era mais um desafio a ser resolvido. Este é o caso de "A Adoração dos Magos" de 1481, um esboço monocromático de complexidade composicional extrema, que inclui numerosos personagens, mas que não tinham as cores adicionadas. Na pintura, ele mostrou as características fundamentais de seu próprio estilo: o uso de sombras que sutilmente classificam as luzes e uma maneira de obter o alívio através de suaves claros e escuros.
7. "Adoração dos pastores" de Giorgione
Giorgione (1479-1510) foi um artista cuja vida e obra são misteriosas, pouco se sabe sobre ele. Em suas pinturas, ele não dá prioridade ao desenho e à forma, mas, em vez disso, usa sua maneira magistral de aplicar cores para alcançar a perspectiva. Nesta obra, elaborada antes de 1506, a paisagem é especialmente marcante, trabalhou meticulosamente para inserir a Virgem Maria, São José e dois pastores em um ambiente auspicioso em que todos observam a Criança com reverência.
8. "Adoração dos Magos" por Alberto Durero
Albrecht Dürer (1471-1528), foi um dos principais pintores do Renascimento alemão. Quase tão versátil como Leonardo, ele era pintor, filósofo, escritor e desenhou sobre botânica e anatomia. Em "A Adoração dos Magos" de 1504, Dürer assinou uma obra-prima em termos da aplicação prolífica de cores e da relação da arquitetura com a figura humana. Nela, ele deixou uma marca da obsessão com a perspectiva e a proporção que marcou toda a sua pintura. Conserva os componentes medievais, mas organiza o espaço racionalmente, e os detalhes arquitetônicos adquirem um estilo classicista.
9. "O Adoração dos Magi" por Rubens
Pieter Paul Rubens (1577-1640) foi um professor da escola barroco flamengo com um grande instinto pictórico e capacidade de dotar os seus quadros de um movimento exuberante e expressividade. Além de excelso pintor, era cotado em outras áreas como a diplomacia e as competências linguísticas; sabia Latim e algumas línguas modernas.
A pintura "A Adoração dos Magos" representa um arquétipo de estilo barroco com seu clássico jogo de luz focal e sombra, cores ricas e expressões corporais tão enfáticas das figuras. Ele foi desenvolvido em duas fases diferentes de 1609 e 1628. A luz que ilumina a cena vem do Menino Jesus e é projetada sobre as faces da Virgem Maria e os Reis Magos. A cena da esquerda, pintada primeiro, é caracterizada pela serenidade que transmite contemplação, contrastando com a atmosfera criada no canto superior direito, feita na segunda fase e em que os corpos dos porteiros, a cavalos e cavaleiros transmitem dinamismo e tensão. Os personagens se amontoam uns sobre os outros, dando pouco destaque à paisagem que é descoberta apenas em segundo plano.
10. "Adoração dos pastores" de Francisco de Zurbarán
Francisco de Zurbarán (1598-1664) foi um ilustre pintor do barroco espanhol. Ele resistiu a incorporar o novo tratamento da perspectiva e da coerência espacial que emergiu no Renascimento e preferiu um realismo mais arcaico com o qual alguns pintores decidiram continuar a resolver obras complexas. Enfatiza a forma expressiva, com a qual caracterizou os rostos de seus personagens e sua intuição de usar cores que eram consideradas contrárias, mas que conseguiu harmonizar. Todas essas qualidades são refletidas em sua "Adoração dos Pastores", onde ele conseguiu criar um ambiente sombrio e misterioso. A luz começa no Menino Jesus e ilumina a cena enquanto a Virgem Maria descobre delicadamente o tecido para os pastores e anjos adorarem. Todos os personagens usam roupas humildes, enquanto objetos do cotidiano, como jarras e cestas, dão ainda mais realismo ao evento.
11. "A Adoração dos Pastores" por Rembrandt
Rembrandt van Rijn (1606-1669) foi um gênio da pintura barroca holandesa. Ele se destacou na frente da maioria dos artistas holandeses que se especializaram em um determinado assunto, como retratos, paisagens, etc. para a prática de todas as modalidades, incluindo temas religiosos, que já começavam a não ser predominantes. Dentro deste último gênero, ele se inclinou para cenas bíblicas, o que lhe permitiu expressar perfeitamente a complexidade da alma humana.
Sua pintura destaca uma grande sensibilidade, que reforça em cenas noturnas como essa, dando destaque aos efeitos de luz e sombra em que os contornos das formas são praticamente perdidos. Essa qualidade se manifesta em sua "Adoração dos Pastores" de 1646, na qual as figuras que compõem a cena dificilmente podem ser distinguidas. A pouca luz que ilumina o estábulo está focada no Menino Jesus e ajuda a enfatizar a atmosfera de intimidade. Ao redor dele, a Virgem Maria, São José e os pastores observam com devoção o pequeno.
12. "Adoração dos pastores" de Hugo van der Goes
Este trabalho é o painel central do extraordinário Tríptico Portinari, o trabalho mais famoso do autor, pintado em Bruges (Bélgica) em 1476. Como foi enviado para Florença, teve uma grande influência sobre os pintores italianos da época. Apresenta como figura central uma doce Virgem Maria, vestida de maneira mais simples que os anjos ajoelhados diante do Menino, cobertos por camadas cheias de brocados e modo flamenco idealizado, enquanto os pastores e São José os apresentam com rostos mais realistas.
13. "A Natividade" de Caravaggio
Este trabalho foi exposto no Oratório de San Lorenzo da cidade siciliana de Palermo até que foi roubado pela máfia italiana, por membros da Cosa Nostra em 1969. Incluído entre os dez mais importantes roubos de arte da história, situando-se em o terceiro lugar, ainda é desconhecido, sendo uma das peças mais procuradas pelas forças policiais em nível internacional. Desde o Natal de 2015, uma reprodução digital toma o lugar do original. A cópia digital é o trabalho do laboratório Factum Arte de Madrid, baseado em algumas fotografias da última restauração feita em 1951.
Na cena, inundada por um halo de silêncio melancólico, São Lourenço e São Francisco estão presentes de forma simbólica com os pastores e a Virgem, que com expressão triste, fitam uma Criança rechonchuda e sorridente. O único elemento de celebração é o anjo que desce criando um movimento diagonal com o jovem pastor que está virado de costas. Para os dois, provavelmente eram modelos infantis da rua, um costume tão comum para o mestre barroco. Este anjo muito realista carrega em uma mão um talismã que anuncia em louvor a "Glória a Deus nas alturas", enquanto que com a outra mão aponta para o céu, indicando a origem divina da criança.
14. "Adoração dos Magos" por El Bosco
Esta Adoração dos Magos, feita por volta de 1510, também chamada Tríptico da Epifania, está atualmente no Museo del Prado e recebeu recentemente uma restauração meticulosa. Mantém suas dobradiças originais, com mais de 500 anos. Como em todo o trabalho do pintor holandês, o grotesco, o monstruoso e o inquietante têm seu lugar materializado nesta peça de maneiras diferentes, por exemplo, nas figuras dos pastores que curiosamente observam a cena do telhado, ou de uma janela aberta, ou nos cavaleiros que andam alheios ao que acontece na velha cabana.
15. "Adoração dos pastores" por El Greco
Finalmente, você pode ver este trabalho no estilo maneirista executado por El Greco por volta de 1612, provavelmente em seu último ano de vida. Além disso, seu desejo inicial era que esta Adoração dos Pastores presidisse seu próprio túmulo. No entanto, foi transferido para um mosteiro até que em 1954 foi adquirido pelo Museu do Prado.
A composição em espiral, criando um movimento em ascensão, o alongamento e distorção das figuras, as poses estranhas e dinâmicas que criam uma sensação de maravilha e êxtase, os fortes contrastes entre áreas claras e escuras, que aumentam o sentido dramático e as cores vivas típicas das pinturas de El Greco fazem dela uma das obras mais reconhecidas do pintor grego estabelecido na Espanha, identificado como um dos precursores da arte moderna.
